20 étapes pour colorer votre art manga comme un pro, Bloq Creative
Quand apprendre à dessiner. dans tous les styles, il est important de maîtriser les bases en premier. Certains experts estiment que lorsqu'une image est réduite à une vignette, ou quand vous le voyez à distance, par exemple sur un panneau d'affichage à la fin de la route, il a environ trois secondes pour attirer l'œil du spectateur. Ainsi, les artistes doivent veiller à ce que leur art est facile à « lire », et que le spectateur est en mesure d'identifier rapidement les points focaux à travers des formes de base, le contraste et les couleurs.
La mission de chaque artiste est de réfléchir aux éléments qui composent une image, et le contraste entre les deux harmonieusement
Une image réussie passera ce test de trois secondes et attirer le spectateur en lui donnant une deuxième lecture. Cependant, si l'image est trop compliqué, ou s'il n'y a pas un contraste clair entre les éléments visuels tels que la couleur, la structure et la forme, votre message va être l'une de confusion et le spectateur se déplacera.
La mission de chaque artiste est de réfléchir sur les éléments qui composent une image, et contraste entre eux harmonieusement. Je vais montrer comment je réalise ce tout en peignant cette affiche, qui célèbre le 100e numéro de ImagineFX. Mon art utilisera manga comme point de départ, mais aussi intégrer la fantaisie et la magie. Commençons!
01. Démarrer esquissant
02. encrage l'esquisse Begin
Copier la couche et mon image initiale mis comme base. Ensuite, je commence d'encrage sur la nouvelle couche. Je travaille avec des lignes très fines qui ne dépassent pas cinq pixels de taille, et utiliser la brosse par défaut avec la dynamique de forme activée.
Pour créer des zones de fort contraste I assombrir les zones dans l'ombre que je connais ne changera pas beaucoup de couleur. Je ne suis pas particulièrement inquiet au sujet de mon travail en ligne, parce que je suis juste l'utiliser comme base que je vais peindre plus tard dans le processus de peinture.
03. Le temps pour la couleur
Je sélectionne la zone en dehors de l'image à l'aide de la baguette magique, puis inverser la sélection et changer certaines zones à niveau de gris. Ensuite, j'ajouter de la couleur à l'aide de deux tons de la peau, ce qui introduit un degré de contraste de la scène.
Après cela, je crée une nouvelle couche exclusivement pour la couleur, et utiliser l'outil Pot de peinture pour assombrir la zone de l'esquisse, qui établit une base et le contraste, et me permettra de couleur dans le caractère plus tard.
04. Dessin de la lumière
05. Présentation de demi-teintes
Je peins avec la couleur que je l'utilise pour la lumière sur une nouvelle couche. Il est maintenant une zone plate qui tous les volumes séparés amalgame et unifie mon travail jusqu'à présent. Cette couche agit comme un demi-ton et donne l'image un aspect similaire à 90s anime, qui a généralement trois niveaux de couleur. Une couche séparée me permet d'ajuster l'opacité, ce qui suggère une gamme d'ambiances atmosphériques possibles.
06. avec l'outil Blending Smudge
Je demande ma technique habituelle d'éclosion: d'abord dans une direction, puis une autre, pour adoucir le caractère. Je peins aussi des détails qui aident à introduire plus de volumes, comme les contours des éléments ou des détails sur les ailes.
07. Application dégradés et des ombres
J'utilise la baguette magique pour faire des sélections dans les ailes, puis utilisez l'outil dégradé pour créer le volume souhaité. Cet outil me permet de représenter des ailes qui sont plus doux que la recherche-la peau, créant ainsi le contraste entre les deux textures.
Avec l'outil Lasso ajouter des ombres à différentes zones, puis avec l'outil de dégradé sur un réglage radial et en mode Multiplier je présente un effet d'ombre de l'extérieur au centre de l'image.
08. Sélection et coloration
Je veux donner une teinte rougeâtre de force variable à des éléments tels que les ailes, corset et chapeau. Je demande l'outil Teinte / Saturation (avec l'option Redéfinir) à la couleur de base, et j'utiliser l'outil Balance des couleurs pour modifier la chaleur dans l'ombre, mi-tons et met en évidence.
Dans certains cas, dupliquer des éléments et appliquer différentes variations de couleurs et opacités, avant la fusion des couches (y compris la couche d'encre). Cependant, je garde une copie à des fins futures de sélection.
09. textures de peinture
Je dessine différentes textures sur cette dernière couche. Ajouter quelques textures de couture sur le chapeau et corset, lui donnant l'aspect du cuir.
Je dessine les lignes d'abord avec une couleur foncée, puis j'échantillonner la même zone de couleur claire avec l'outil Pipette, mais varier avec un ton plus clair pour créer un contraste avec la surface.
Cela génère la texture et le volume. Je répète cette technique sur les ongles du crâne, la chaîne et le collier de la jeune fille, qui étaient sombres, masses plates, mais maintenant les détails et la texture.
10. Ajout de points saillants
Mise en place des lignes blanches sur une nouvelle couche me permet de proposer une source de lumière secondaire, et crée aussi des petits faits saillants. Je le fais sur des domaines tels que les clous sur le crâne et le crâne lui-même, le collier et le chapeau.
L'application de l'outil Smudge dans un mouvement circulaire génère un regard porté sur les surfaces. J'ajoute aussi fines mèches pour rendre les cheveux plus léger. Je réduis à 85 pour cent, Opacité de cette couche qui signifie qu'il se marie mieux avec les couches en dessous.
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